Apostando por 'La gran apuesta' (The Big Short)

“Apostando por La gran apuesta”

Ese fue mi tuit minutos antes de que se apagasen las luces de la sala de cine. Mis expectativas eran altas y la película no me defraudó lo más mínimo. Es más, no me esperaba que tuviera un tono de denuncia tan intenso, lo cual es de alabar y agradecer a partes iguales.

La gran apuesta se basa en un libro escrito por Michael Lewis en el que habla del crash inmobiliario que dio lugar a la enorme crisis económica en 2008. Sorprendentemente, cuando la inmensa mayoría confiaba en que el sector inmobiliario seguiría subiendo como la espuma, nadie se percató de que había una burbuja inmobiliaria que iba a estallar en cualquier momento, salvo algunos pocos. El primero de los “privilegiados” visionarios que detectó esa catástrofe fue Michael Burry, interpretado de manera brillante por Christian Bale, un gestor algo tarado y antisocial que trabajaba para un fondo de inversión. De hecho, vio tan claramente que el mercado inmobiliario se derrumbaría que decidió lucrarse a costa de ello y así salvar su empresa. También algunos inversores y traders (Steve Carrell y Ryan Gosling, entre otros) fueron capaces aprovechar la oportunidad para intentar hacerse de oro. Pero en el mundo de las finanzas nada es lo que parece y, cuanto más van ahondando los personajes en el tema, más defraudados quedan con el sistema.

¿Quién iba a imaginar que los bancos pasarían por alto la falta de recursos económicos de las personas que solicitaban hipotecas y que las concederían prácticamente todas (hipotecas muy dudosas, todo hay que decirlo) sin ni siquiera llegar a plantearse que algún día todo se iría al garete? ¿Puede ser que un sistema tan asentado como el financiero no tenga una supervisión y un análisis de la situación como Dios manda? Por lo visto sí, y lo que es peor, parece que poco han aprendido tras el derrumbe de la primera economía mundial.

Destaco del director Adam McKay su capacidad para amenizar un tema tan preocupante como denso con momentos en los que personajes variopintos nos ofrecen una explicación mucho más fresca y comprensible de conceptos financieros. Seguro que más de un espectador abrió de par en par sus ojos al ver a la bella Margot Robbie (protagonista de El lobo de Wall Street) desnuda en una bañera cubierta de espuma, bebiendo champán, mientras nos aclaraba el concepto de las subprime.

Mi consejo es que apuesten por esta película repleta de ironía que reprocha al sistema capitalista su  falta de valores morales y de humanidad. En el mundo de las finanzas, solo hay una cosa que mueve pasiones: el dinero.

La película concluye con una frase estremecedora que hace pensar que los bancos van a tropezar dos veces con la misma piedra. Tal vez sea cierta esa frase que menciona el film del libro 1Q84 de Haruki Murakami:

“Todo el mundo, en lo más hondo de sus corazones, está esperando que el fin del mundo llegue”.

Laura Mas

Ficha técnica
Año: 2015
País: Estados Unidos
Director: Adam McKay
Reparto: Christian Bale, Steve Carell, Ryan Gosling, John Magaro, Finn Wittrock, Brad Pitt

Género: Drama | Comedia dramática. Crisis económica actual. Bolsa & Negocios

Steve Jobs – más allá del mito

Tras el fracaso que supuso la película Jobs, en la que Ashton Kutcher encarnaba al genio digital, esta vez ha sido Michael Fassbender quien se ha aventurado a interpretar al visionario con bastante más acierto.

Steve Jobs ha sido uno de los estrenos más esperados de este inicio de año. Bajo la dirección de Danny Boyle, el largometraje muestra tres momentos que marcaron la vida profesional de Steve Jobs: el lanzamiento del Macintosh en 1984, el lanzamiento del NeXT computer en 1988 tras el despido de Jobs de Apple como consecuencia del fracaso del Macintosh y la presentación del iMac en 1998.

A lo largo de la película Boyle también muestra el lado más íntimo de este genio que creyó firmemente en su visión y la defendió cuando nadie le apoyaba. No obstante, el co-fundador de Apple tenía un carácter de lo más difícil y lleno de contradicciones. Su gran egocentrismo, su afán de perfección que rozaba el borde de la locura y su carácter imprevisible sorprendían a todos quienes le rodeaban. No era fácil relacionarse con un ser que, a pesar de su brillantez, hastiaba muchas veces por su falta de tacto y modales. Una de sus compañeras más allegadas fue Joanna Hoffman, interpretada magistralmente por Kate Winslet, cuya actuación le ha valido ganar un globo de Oro como mejor actriz de reparto. La Jefa de Marketing de Apple fue su mano derecha durante muchos años y también la encargada de hacer abrir a Jobs los ojos en algunos momentos en los que no obraba bien. Uno de los episodios más oscuros de su vida está protagonizado por la hija que no quiso reconocer, Lisa (Perla Haney-Jardine), y su ex pareja Chrisann Brennan (Katherine Waterston), quien parece ser que solía gastarse de manera irresponsable el dinero que Jobs le ingresaba en la cuenta.  

Otros personajes dignos de mención son Steve ‘Woz’ Wozniak (Seth Rogen), el co-fundador de Apple que luchó en vano para que Jobs reconociese en público el buen trabajo del equipo del Apple II y John Sculley (Jeff Daniels), director ejecutivo de Apple Computer que anteriormente había sido presidente de la compañía PepsiCo.

El resultado es una película que no pretende mitificar al indudablemente enorme visionario que fue Jobs. Boyle aúna la brillantez de la revolución digital al lado más personal de este genio, valiéndose del destacado guión de Aaron Skorkin, quien tampoco dejó indiferente con sus anteriores trabajos en las películas La red social y Moneyball. Las conversaciones que se suceden a lo largo del film están llenas de un ritmo e intensidad que mantienen el interés del espectador en sus casi dos horas de duración.

Laura Mas

Ficha técnica

Dirección Danny Boyle

Producción

Danny Boyle

Guymon Casady

Christian Colson

Mark Gordon

Scott Rudin

Guion

Aaron Sorkin

Música

Daniel Pemberton

Protagonistas

Michael Fassbender

Kate Winslet

Seth Rogen

Jeff Daniels

País

Estados Unidos

Año

2015

Género

Película biográfica

Duración 122 min

FILM SHYMPHONIC ORCHESTRA: … Y NEO NOS PUSO LA BSO

Hace unos días tuvimos el privilegio de asistir al espectáculo musical ofrecido por la FILM SHYMPHONIC ORCHESTRA en L’Auditori de Barcelona.

De la singular batuta de su director Constantino Martínez-Orts, y con una elegancia y esplendor que todo gran orquesta representa, fuimos convertidos en viajeros del tiempo, (como si del Delorean de Marty Mcfly se tratara) repasando grandes bandas sonoras de la historia del cine, desde los clásicos en blanco y negro como “Ciudadano Kane”, “Doctor Zhivago”, etc. Pasando por éxitos de los 80 y 90 como “Jurassic Park”, “Matrix”, hasta llegar a los más recientes como “Avengers”.

Todo ello conducido por el Maestro Martinez-Orts ataviado con su disfraz de Neo y con una coreografía de movimientos a la hora de manejar la batuta que aportaron al espectáculo el plus de diversión audiovisual que no todas las orquestas sinfónicas pueden ofrecer.

Cabe destacar la interacción con el público asistente una vez terminado el programa, ofreciendo participar de la elección de Bandas sonoras o compartiendo efectos de algunas de ellas.

Como dijo el Sr. Smith a Neo en Matrix: “Oye eso Sr. Anderson? Es el sonido de lo inevitable”. Es inevitable salir de L’Auditori sin tararear cualquiera de los momentos sonoros vividos.

Joaquín Borrell

Vuelve Alejandro Amenabar con 'Regresión'

Amenábar, tras seis años de silencio cinematográfico, nos lleva a la gran pantalla con una película cuyo tema te hace recordar a “Los otros”. Amante del misterio, como ha confesado en diversas entrevistas, provoca que el público entre en la sala esperando disfrutar del enigma, de lo oscuro y sorprenderse una vez más como lo hizo con la película citada. Lo esperado a veces te sorprende de manera negativa.

El director ha basado su guión en hechos reales ocurridos en Minesota,  en 1990. Se investigó sobre ceremonias satánicas y posibles depravaciones escabrosas, con sacrificios humanos y ritos sexuales, hechos que jamás se pudieron demostrar.

El detective Bruce Kenner, Ethan Hawke, es el encargado de investigar el caso de la menor Angela (Emma Watson) que, bajo la tutela del párroco de la iglesia, denuncia a su padre, John Gray (David Dencik) por abusos. Ante la duda de sus declaraciones, se solicita la colaboración del psicólogo Dr. Raines (David Thewlis) que somete al padre a una regresión para aclarar el caso. Siendo “Regresión” el título de la película, aquí se encuentra el primer punto flaco del film. El psicólogo parece un personaje de añadido, al que parece que no le importa la historia. Practica una especie de hipnosis extraña a una persona alcoholizada y extrae conclusiones precipitadas que contagia al inspector y a una gran parte de la población, entrando la historia en una espiral de despropósitos que se me antojaron como un puzle desorganizado. Sobre la regresión, aquí se acaba un tema sobre el que se podía haber profundizado mucho más.

Durante los 106 minutos que dura la película, estuve esperando un giro que me sorprendiera como en “Los otros”, ese giro al que nos tiene acostumbrados este gran director, pero el giro no se presenta. Acaba la película y la sala queda en silencio. ¿Hemos visto un documental?

Salva la película, además de la excelente fotografía, la gran interpretación de Emma Watson, que definitivamente se ha despegado de la querida Hermione y se ha convertido en una actriz a la que, con seguridad, le espera una larga y exitosa carrera. Emma es coherente con su papel y lo borda. El inspector, interpretado por Ethan Hawke (protagonista de Gattaca) representa la entrega del investigador cuando profundiza en un caso hasta el punto de llegar a la obsesión. Tal vez la película se tendría que haber titulado: Obsesión, en ese caso el público no esperaría una trama sobre la que no se trata.

El desenlace, tras mostrarte escenas satánicas, intentos de suicidio por culpabilidad, rituales sexuales… te deja, como ocurrió en la realidad, con la duda de si todos estos hechos han sido verídicos o bien que la niña es una víctima de abusos que delira como autoprotección. No es preciso ni en cine ni en literatura que los finales sean abiertos, pero tampoco hay que mostrar unos hechos de manera tan aséptica. Tampoco es coherente que toda la obsesión que arrastra el investigador, y que constituye el núcleo de la obra, se aclare en un segundo, los procesos psicológicos son más largos en el tiempo. No seamos tan incoherentes, señor Amenábar, o invente, por favor. Los hechos de Minesota los podemos leer en la red, pero en la gran pantalla yo quiero ver cine…, como en “Los otros”.

Puede que otros piensen que es la mejor película de su filmografía, pero yo creo que es una autentica regresión en la carrera del director.

Eso sí, esperamos la siguiente.

Griselda Martín Carpena

Título original: Regresión
Director y guionista: Alejandro Amenábar
Música Roque Baños
Fotografía: Daniel Aranyó
Producción: Coproducción España-Canadá. Himenóptero. Telecinco Cinema
Reparto: Ethan Hawke, Emma Watson, Aaron Ashmore, Devon Bostick, David Thewlis, Dale Dickey, Aaron Abrams, David Dencik, Kristian Bruun, Matija Matovic Mondi, Janet Porter, Goran Stjepanovic.
Año: 2015

'No me cuentes películas. Los espectadores en la era digital' - David G. Panadero

Bajo el suculento título de éste llamativo libro, David G.Panadero; cinéfilo, periodista y escritor, esconde un ensayo sobre la evolución cinematográfica desde los últimos cines de barrio hasta nuestros días. Las claves para comprender en que se ha convertido el cine actual se exponen destapando los mitos y hechos cronológicos a modo de buen historiador.

David, amparado por su background y su romance con el cine, reflexiona sobre las realidades de las ultimas tres décadas indagando en la relación Película-Espectador como parte fundamental para comprender la evolución hasta nuestros días. Entre las páginas a modo de revista, se intercalan textos, titulares e imágenes-referencia de buenos modos que han contribuido a escribir la historia con grandes ideas. David cuenta con rigor tratando de no impregnar su nostalgia por el analógico, señalando la influencia de la actividad de la industria que ha golpeado sin favorecer ni al cine de autor ni a la diversidad de oferta en las salas de cine.

Es el turno para los creadores y apasionados del cine. Desde Kubrick hasta Jaume Balagueró, se va dibujando un rizoma con las diferentes sacudidas en la historia del cine, desde una forma de hacer, mirar y entender, creando escuela y tendencia.  Los amantes del cine se reivindican haciéndose partícipes de grandes iniciativas tanto para salvar las pocas salas del siglo pasado que aún sobreviven, como para conservar el universo entorno al VHS, por amor al séptimo arte. Una entrevista a Carlos Fernández, consejero delegado de Filmax, cierra el círculo con un final desde dentro del cine, aportando una visión desde la evolución de una productora, como si se nos contara la misma historia desde otro punto de vista.

Un libro indispensable para los que aman y gozan del cine por el cine, los nostálgicos del VHS y los videoclubs, para los espectadores que una vez fueron en la era analógica.

REDACCIÓN

Título: No me cuentes películas. Los espectadores en la era digital
Autor: David G. Panadero
Editorial: Diabolo ediciones
Número de páginas: 208 pp.
Edición: 1ª edición, mayo de 2015
I.S.B.N. 9788416217359

Reflexiones de la película 'Cincuenta sombras de Grey'

Adaptación del Best Seller Cincuenta sombras de Grey, primera entrega de la trilogía escrita por E. L. James.

Confieso que por prejuicios literarios, y no sexuales, me negué a leer la citada trilogía. No entendí las ventas millonarias de una historia que tenía grandes deficiencias según me contaron amigos expertos en literatura. Ante el nuevo fenómeno cinematográfico con enormes colas en taquilla y comentarios jocosos, sobre todo femeninos, me decidí a ver la película y poder opinar. Por supuesto, tras haber perdido dos horas de mi vida, no pienso leer las novelas.

El príncipe azul que espera la plebeya de los cuentos de hadas para ser feliz durante toda la vida y, así, poder comer perdices hasta el hartazgo, se disfraza de joven multimillonario guaperas y bastante traumatizado que, en cuanto se le da el primer beso, no se convierte en rana sino en un sádico de segunda fila que esconde artilugios sexuales en su castillo particular.

La aspirante a princesa sumisa, Anastasia, es una estudiante de filología que parece ser tiene una media de sobresaliente en su carrera, pero en una de las primeras escenas le hace una entrevista al multimillonario que resulta ser absurda, inverosímil y más idónea para un estudiante repetidor de secundaria que no de una pronta licenciada con éxito.

Diálogos sin sentido que, pretendiendo ser serios, arrancan carcajadas en un público que se divierte a lo grande y espera las escenas eróticas que han dado fama al libro. Y estas, encima, llegan con un “no progresa adecuadamente”…

Cuatro azotillos con una especie de plumero rosa, algún plano con avistamiento lejano de posaderas y de una aturdida joven con la boca tapada por una corbata, encima gris, son las escenas que parecen ser han provocado tanta excitación… Calificada como película erótica, menciono otro detalle que desentona: tras hacer sexo, la protagonista femenina se levanta de la cama y va en busca de su sádico, cubierta púdicamente por las sábanas donde han retozado, emulando con ese gesto cintas de los años cuarenta. Supongo que el salto a la gran pantalla ha perdido la lívido de la novela. Si no ha sido así, estamos muy mal…

No etiqueto esta película como erótica, más bien como romántica y con grandes rasgos de puerilidad casposa. Si queremos cine erótico, ya que parece ser que estamos faltos…, tal vez haya que bucear en el pasado. Aquí dejo una lista, que por supuesto, se puede ampliar hasta el infinito y que es variable según gustos varios, pero seguro que erotismo encontrareis. Y que sí, que mejor hacer el amor que la guerra, pero no hagamos el panoli.

—El cartero siempre llama dos veces.
—Último tango en París.
—El imperio de los sentidos.
—Historia de O.
—Instinto básico.
—Jamón, jamón.
—Eyes Wide Shut.

GRISELDA MARTIN CARPENA

CINCUENTA SOMBRAS DE GREY
Estreno: 2015
Director: Sam Taylor Johnson.
Reparto: Jamie Dornan, Dakote Johnson, Hennifer Ehle.
País: EEUU.

En cines 'LA TEORÍA DEL TODO'

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“La teoría del todo” pretende ser una biopic  (película biográfica) sobre Stephen Hawkins pero, como suele ocurrir cuando se utiliza la palabra biografía, sospecho que nos encontramos con unas grandes dosis de ficción.

El guión del largometraje está basado en la novela escrita por su primera esposa Jane Hawking, “Hacia el infinito”, publicada por la editorial Lumen, y por ello se centra en la relación sentimental de la pareja. Jane, creo, intenta ser la verdadera protagonista ya que es el personaje que tira de toda la trama y deja a Hawking en un segundo plano, sin conseguirlo por el excelente trabajo del actor.

En la visión del largometraje, conoceremos a un joven Stephen que estudia en Cambridge y empieza a padecer los primeros síntomas de la grave enfermedad neurológica contra la que ha luchado, sigue luchando y no le ha impedido divulgar sus conocimientos científicos. En la Universidad conoce a quien será su esposa, papel que interpreta Felicity Jones, persona abnegada y religiosa que decide casarse a pesar de conocer el grave diagnóstico de su recién prometido.

Quien vaya al cine, que no espere profundizar en la interesante Teoría del Todo, esa fórmula que ha de interpretar el origen del universo y por la que este físico, astrofísico, cosmólogo y divulgador se ha dado a conocer a nivel mundial. En realidad, tampoco es a través de la gran pantalla donde se espera que aprendamos qué es un agujero negro o una singularidad espaciotemporal, para ello están las Universidades y los libros, pero pienso que es engañoso el título del film.

Destaco la soberbia interpretación del actor Eddie Redmaayne  que interpreta a Stephen Hawkins. Nos muestra a un joven estudiante singular, tierno, tenaz, al igual que cuando es diagnosticado de ELA. Consigue empatizar el personaje y, por supuesto, hacernos sufrir como espectadores y sentir rabia con un deterioro que, a pesar de todo, no le impide seguir con su sueño: la cosmología y la búsqueda de la verdad. Por su papel de Estephen, Redmaayne ha sido ganador del Globo de Oro y recientemente ha estado galardonado con el premio de mejor actor en la gala de los Oscar de 2015; premios que, pienso, son totalmente merecidos.

Película que tendrá éxito en un gran porcentaje de público que busca el drama nada escamoteado por su director, con diálogos ramplones, música que busca el llanto del espectador y el papel de la esposa abnegada y sufridora difícil de creer. Salva la película el excelente papel de Eddie Redmaayne, sus expresivos ojos cuando no puede hablar, las sonrisas torcidas que contagian simpatía y la gran naturalidad con la que se desenvuelve a pesar de tener el cuerpo paralizado. Solo por él, merece la pena ir al cine.

Griselda Martín Carpena



La teoría del todo
Año:  2014
País: Reino Unido
Director : James Marsh
Reparto: Eddie Redmaayne, Felicity Jones, Charlie Cox, David Thewlis, Emily Watson, Simon McBurney

'JAUJA' de Lisandro Alonso con Viggo Mortensen

En la presentación de la última película del director argentino Lisandro Alonso (Liverpool, La libertad, Los muertos), en el último Festival de San Sebastián, las reacciones fueron divididas, por un lado, parte del auditorio aplaudió animadamente tras la proyección, pero por otro lado, fue fuertemente abucheada. Yo concuerdo con la segunda reacción del público asistente.

     Ambientada en la Patagonia del siglo XIX, cuando transcurría la Campaña del desierto, con la que se pretendía acabar con la población aborigen existente, el capitán danés Gunnar Dinesen (Viggo Mortensen), quien es transportado a la zona como apoyo en tan aberrante misión, se sitúa en medio del desértico paisaje con su joven y bella hija adolescente. Ésta, aludiendo a su despertar sexual, escapa con un soldado de medio pelo y su padre se interna en el sórdido paisaje en busca de la pequeña rebelde.

          Lo que a priori es un viaje, tanto interior como exterior, del personaje central para encontrar a su hija y, quizás, encontrarse a sí mismo, se convierte en un cíclico y denso camino de eterno retorno que no nos lleva a ninguna parte.

          El director presume haber tardado cuatro años en escribir el guion que curiosamente se reduce a una veintena de folios. No sabemos si tan escasa producción literaria se deba a las exigencias del cultivo de la soja y el maíz con los que subsiste el artista, o bien, a la nula experiencia en el medio del poeta, y co escritor del mismo, Fabián Casas. En cualquier caso el filme constituye  un viaje hacia un lugar que no aclara ni el señor Alonso, ni el visionado de la película, en donde el objetivo central se diluye en el significado idílico de la palabra con la que bautiza su quinto largometraje, Jauja.

                    Lisandro Alonso parece haberse tomado muy en serio las afirmaciones del, este sí, joven y magistral Carlos Vermut, cuando el autor de Magical girl (España, 2014) critica que la gente tenga una imperiosa necesidad de que todo le sea explicado. Pero  Alonso no nos esclarece absolutamente nada, dejándonos perdidos en un vacío de imágenes bellamente fotografiadas por Timo Salminen, habitual colaborador de Aki Kaurismäki, que se convierte, sin quererlo, en la verdadera estrella de la función.

          No nos engañemos, ¿qué hace Viggo Mortensen en una película así? Porque aunque el Alatriste de Díaz Yanes haga esfuerzos sobrehumanos por conseguir que el personaje sea creíble, todos éstos caen en saco roto ante tan vacua propuesta fílmica. Aun así, demuestra que su talante y su fuerza actoral son capaces de sostener el débil entramado cinematográfico que él mismo ha ayudado a producir.

                   Mención aparte merecen algunas presentaciones de personajes que hace el director durante la primera y extensísima parte de la película, como cuando uno de los actores es visto con la mitad de su cuerpo en una especie de charco de agua termal practicándose una masturbación que avisa las lúbricas pretensiones que éste tendrá con la hija de nuestro protagonista, o cuando nos son presentados los “aborígenes a exterminar” que, lejos de verlos como personajes pertenecientes a la historia argentina de entonces, los vislumbramos como grotescas caricaturas cuyo comportamiento “salvaje”, en cierto modo, justifican dicho exterminio.

          Pretender comparar esta “joya” fílmica con Centauros del desierto (The searchers, Estados Unidos, 1956) de John Ford, es como si todas las películas que trataran sobre la azarosa búsqueda de una chica por el desierto pudieran ser comparadas con la obra maestra del director estadounidense, así que si acuden a ver Jauja con esta idea, les aconsejo que se hagan con el filme americano y la vean en la comodidad de su hogar antes de asistir a las salas de cine a alimentar el ego de un director con pretensiones de autor.

Dopemovie
       

Título original: Jauja
Año: 2014
Duración:101 min.
País Argentina 
Director Lisandro Alonso
Guión: Lisandro Alonso, Fabián Casas
Música
Viggo Mortensen, Buckethead
Fotografía Timo Salminen
Reparto:
Viggo Mortensen, Diego Roman, Ghita Nørby, Mariano Arce, Viilbjørk Malling Agger, Misael Saavedra, Adrián Fondari
Productora:
Coproducción Argentina-USA-México-Holanda; 4L / Massive Inc. / Perceval Films / Mantarraya Producciones / Fortuna Films

'La entrega (The Drop)' la novela de Dennis Lehanne ahora en cines

En Brooklyn, un solitario y retraído camarero rescata a un cachorro malherido del cubo de basura de una chica y decide quedarse con él. Su vida habitual, sin emociones ni altibajos, se complica extraordinariamente cuando aparece el dueño del perro y pretende llevárselo, la misma persona que lo maltrató, un hombre con problemas mentales involucrado en turbios manejos criminales. El asunto se enmaraña cada vez más dado que el bar en el que trabaja es uno de los locales en los que se realizan trapicheos mafiosos.

La entrega es un film basado en un relato del maestro del género negro Dennis Lehane – autor de las memorables novelas que dieron pie a Mystic River o Shutter Island-  titulado Animal Rescue y fue la última película interpretada por el malogrado James Gandolfini. Es una producción bien interpretada por un hermético y gris Tom Hardy al que acabamos de tener la ocasión de ver en Locke, por Noomi Rapace, protagonista de la saga Millenium y por Gandolfini al que recordaran por encarnar a Tony Soprano.

Ambientada en un Brooklyn especialmente sórdido y turbio La entrega es una producción bien filmada y bien interpretada, una película recomendable para los amantes del cine negro a pesar de que el final puede anticiparse y pierda la capacidad de sorprender.

No se la pierdan.

Empar Fernández



Título: La entrega
Título original: The Drop
Año: 2014
Duración: 106 min.
País: Estados Unidos
Director: Michael R. Roskam
Guión: Dennis Lehane
Reparto: Tom Hardy, Noomi Rapace, James Gandolfini, Michael Esper, Lauren Susan, Erin Darke, Morgan Spector, Chris Sullivan, Michael Aronov, Matthias Schoenaerts, Alex Ziwak, Danny McCarthy, John Ortiz, Elizabeth Rodriguez, James Frecheville
Género: Thriller, drama

“Hayao Miyazaki’s new film. Coming soon!” article de Carles Tamayo

Vaig ser un dels vint-i-tres milions d’espectadors que entre el 2001 i el 2002 van anar al cinema a veure la nova entrega de l’estudi Ghibli: “El Viatge de Chihiro”, amb tant sols sis anys. Va ser una experiència nefasta; nit rere nit somiant amb espectres sense fisonomia, masses amorfes que cobraven vida... mai havia passat tanta por. No he estat capaç de tornar-la a veure fins aquest estiu, i me’n penedeixo de no haver-ho fet abans. “El Viatge de Chihiro” és una fascinant odissea on una nena consentida i protegida dels perills de la vida s’enfronta als seus temors tant sols amb el seu instint i valor, transformant de cap a peus la seva forma de ser. És una oda a la transició en que un deixa de ser nen per adquirir responsabilitats.

Hayao Miyazaki, director del film i màxim responsable de l’estudi Ghibli, resumeix l’escènica de l’obra a la següent declaració: “He creat una heroïna que és una noia corrent, algú amb qui el públic pot simpatitzar. No es una història en la que els personatges creixin, sinó una historia en la que poden extreure el que porten dintre, degut a circumstàncies particulars. Vull que els meus joves amics visquin així i crec que ells, igual que jo, tenen aquest desig.”

Però “El Viatge de Chihiro” no és més que una gran gota dins el mar d’impressionants produccions de Hayao Miyazaki, la majoria de les quals estan enfocades a un públic infantil tot tractant temes amb substancial contingut; la responsabilitat en el cas de “El Viatge de Chihiro” (2001), l’antibel•licisme a “Porco Rosso” (1992), la relació entre l’home i la natura a “La Princesa Mononoke” (1997)... la qual cosa ha ocasionat que no només siguin films atractius pels infants de tretze anys sinó que també pels adults de seixanta-cinc.

Malauradament, i em dol acabar així, fa exactament un any que Miyazaki va anunciar la seva retirada com a director de projectes d’animació i tant sols fa un mes que l’acadèmia de les arts i les ciències de Hollywood va anunciar que premiarà a Miyazaki amb l’Oscar honorífic per a tota la seva trajectòria.

A partir d’ara ens tocarà repassar insaciablement els films de Miyazaki i esperar que, algun dia al anar al cine, veure un gran pòster amb lletres daurades anunciant: “Hayao Miyazaki’s new film. Coming soon!”.

CARLES TAMAYO

BOYHOOD. L’hora de créixer.

Ha estat un estiu fluix pel que fa a les estrenes. Ni tan sols hem tingut l’anual entrega animada de Pixar. Però, com s’ha anat sentint des de fa uns mesos, aquest setembre s’estrena l’obra mestra que ha captivat la critica i espectadors a cada festival on s’ha projectat: Boyhood.

Tot i que el rodatge va durar tan sols 39 dies, Richard Linklater (“Antes del atardecer”, 2004) va començar a rodar Boyhood al 2002. Durant dotze anys ha enregistrat la vida d’una família fictícia formada per Patricia Arquette i Ethan Hawke com a pares, Lorelei Linklater com a germana i Ellar Coltrane com a protagonista, els canvis del qual fan créixer i madurar al personatge i, conseqüentment, avançar la trama.

Boyhood (momentos de una vida): Per primer cop en molt temps, els encarregats de trobar un subtítol en castellà per cada títol original ho han aconseguit a la perfecció. Sovint, el que esperem d’un film és que com a mínim tingui un guió complex, amb canvis de trama, ritme... però la magnitud de Boyhood recau en la seva senzillesa. De fet, la trama de gairebé tres hores de pel•lícula es pot resumir amb una sola paraula: temps. És un film que ens obre les portes de la família de Mason (Ellar Coltrane) quan tan sols té sis anys. A partir d’aquí l’acompanyem durant els següents dotze anys i anem coneixent el món de nou, al ritme d’un infant que, a poc a poc, ja no és tant petit.

Fa temps, al entrar a un cinema, un home d’uns seixanta anys amb molta xarrera em va assegurar que una bona pel•lícula és el resultat de mil detalls; Boyhood ho és. En el segle actual tot canvia fugaçment i, amb només una dècada, hem passat de jugar amb una petita GameBoy a una Wii o de trucar per telèfon a fer videoconferència per iPhone. Però Linklater no només retrata el pas del temps amb la tecnologia sinó que també amb un seguit de substancials referències cinèfiles, literàries i polítiques.

Realment, Boyhood és un film capaç d’atraure a qualsevol persona que ha estat infant algun cop. És un retorn a la infància i al traspàs a la maduresa on tothom si pot sentir identificat.

Carles Tamayo



Director: Richard Linklater
Guió Richard Linklater
Interprets: Ellar Coltrane, Patricia Arquette, Ethan Hawke 

'Begin Again' - John Carney

Begin again no es Once. Ni lo pretende, ni lo consigue. Por mucho que ésta tenga muchos puntos en común con aquella. Pero sí que es una excelente película.

                Gretta (Keira Knightley) llega a Nueva York junto a su novio Dave (Adam Levine) persiguiendo sus sueños: triunfar en la música. Cuando Dave lo consigue, tiene una noche de debilidad con una compañera de la discográfica. Esto hace que a Gretta se le rompa el corazón y le abandone, yéndose a vivir al apartamento de su amigo Steve (James Corden), quien se gana la vida tocando la guitarra donde puede. Esa noche lo hace en un bar de la ciudad e invita a su amiga a salir para olvidar. En el bar obliga a ésta a subir al escenario para cantar una de sus canciones. El público no le hace mucho caso. Excepto Dan (Mark Ruffalo), un productor de discos socio de una discográfica de éxito con problemas matrimoniales, vive en un apartamento separado de su mujer, y a quien su hija no le hace mucho caso, que se queda prendado de la canción de Gretta.

                En ese instante en que sus vidas se encuentran ambas comenzarán de nuevo.

                Si Once era una bonita historia de amor entre Guy (Glen Hansard) y Girl (Markéta Irglová) que llegó más allá del celuloide, envuelta en una sábana musical, Begin again es más un canto a la superación, la integridad y un golpe bajo a la industria musical en la que prima, como todo buen negocio, el dinero, antes que la calidad o el talento, con un fondo musical agradable.

                No se puede comprar a Adam Levine, cantante de los famosos Maroon 5 con Glen Hansard, ni a Keira Knightley con Markéta Irglová, puesto que saldrían perdiendo, por mucho que tanto el músico como la actriz tengan y obtengan más reconocimiento por parte del público o la crítica, pero no podemos dejar de admirar el trabajo de ambos en la cinta. El de la inglesa por su esfuerzo a la hora de cantar y el del americano por representar a la perfección lo que debe ser un músico guapo y de éxito.

                Aunque sin duda alguna es el trabajo de Ruffalo el que brilla por encima de todos, si hablamos de los actores, puesto que la verdadera estrella del film es John Carney, su director.

                Ruffalo con esa imagen a lo Bob Dylan, representa a la perfección con todos sus manierismos lo que un cazatalentos representa, y muchas son las escenas memorables de la película en las que él participa.

                Impagable su forma de buscar a nuevos talentos en su destartalado y pasado de moda coche, increíble su forma de aportar arreglos a la cruda y nítida canción de Gretta en el bar la primera noche que se conocen, aunque culpa de este éxito sea de Carney y su espléndido guión,  romántica, la visión que tiene de la música, esos paseos escuchándola con cascos por una nocturna Nueva York es ideal para los mitómanos empedernidos como un servidor, o la profesionalidad y el respeto que emana de él ante los músicos, por mucho que estos estén donde están gracias a él, la escena junto a Troube Gum (Cee Lo Green) en su casa emociona.

                Pero no todo es amor y paz. Begin again también golpea fuerte. En este caso a la maltrecha industria musical, llena de tiburones, gente sin escrúpulos y sordos crónicos. El rapero Mos Def borda el papel de director discográfico a la perfección. Por suerte para los músicos íntegros, aún quedan A&R sentimentales, amantes de la música y ajenos al éxito de sus pupilos, los auténticos artífices de la música.

                La idea de grabar un disco en escenarios naturales de Nueva York es posible que pase de la ficción a la realidad en algún momento.

                Sí, estamos, de nuevo,  ante una pequeña joya cinematográfica, buen guión, buenos actores, buena música, buena fotografía, buena historia y excelente dirección.

                No es Once, pero también se le recordará con el mismo cariño que aquella.

                Carney está actualmente cerrando el guión de una nueva película bajo el nombre de Sing street con música de U2 algo que dice mucho a su favor. Sin duda cerrará el círculo abierto con Once.

Salva G.



Título: Begin again
Director: John Carney
Reparto: Keira Knightley, Mark Ruffalo, Adam Levine, Hailee Steinfeld, Catherine Keener, Mos Def, Cee Lo Green, James Corden
Fotografía: Yaron Orbach
Año producción: 2012
Estreno: 1 de agosto de 2014

'Las vidas de Grace (Short Term 12)' de Destin Daniel Cretton

Ser una película independiente y ganar un premio en un festival tan independiente como es el Sundance Festival en su edición de 2009, concretamente el concerniente al Premio Especial Del Jurado hace que Las vidas de Grace, título un tanto engañoso, ya que Grace es simplemente una de las muchas protagonistas que aparecen en la película, siendo la auténtica zona cero de la historia Short Term 12, una casa de acogida de niños en peligro de exclusión social en la que están hasta que cumplen los dieciocho o el Estado decide qué hacer con ellos, merezca sin duda nuestra atención. Lo admitimos: somos carne de Filmoteca.

                 Originalmente rodado como un cortometraje y tras su relativo éxito convertido a largometraje, Las vidas de Grace narra de forma circular en su estructura cinematográfica, la vida que  ocurre en la famosa casa de acogida que da nombre al film.

                Aunque el hilo argumental lo lleve Grace y Nate, trabajadores del centro y pareja en su vida fuera de él, el resto de compañeros de trabajo y los internos, sobretodo Jayden y Marcus, un interno al que le quedan escasos días para dejar el centro y una nueva chica que llega al centro tras diversos intentos de suicidio tras sus problemas en casa, también son partícipes de esta historia.

                Con un ritmo lento y pausado, Cretton explica sin trabas la historia de lo que allí dentro se vive: amor, odio, ternura, cólera, tensión, miedo, terror, y mucha realidad, tanta como la que el propio Cretton fue capaz de observar en este tipo de centros cuando trabajó en ellos.

                Huyendo del sentimentalismo, en ocasiones los protagonistas parecen no tener sentimientos en sus acciones, y de la lágrima fácil, el tema que trata no es para reír, ni mucho menos, la película disecciona a la perfección lo que estas casas de acogida representan, tanto para el que trabaja en ellas, como para el que las utiliza.

                Una cosa queda clara: falla el sistema. Es ineficaz en muchos casos, y alguno de ellos pueden tener consecuencias terribles.

                Tanto Brie Larson, Grace en la película, como John Gallagher Jr.,Nate bordan sus papeles, comedidos, entendiéndose con sencillas miradas, gestos imperceptibles, y manteniendo una química que me hace preguntar si son en realidad pareja. Las imágenes de ellos dos dibujándose uno al otro en el sofá de casa hablan por sí solas.

                Sí, Las vidas de Grace es un pequeño tesoro dentro del cine actual, donde muestra que la vida es oscuridad, pero que siempre podemos encontrar un atisbo de luz en el lugar menos insospechado.

SALVA G.

Título: Las vidas de Grace (Short Term 12)

Director: Destin Daniel Cretton

Estados Unidos, 2013

'Diás de vinilo', la película de Gabriel Nesci

Digámoslo alto y claro: Días de vinilo podría llegar a ser para Argentina, lo que Alta Fidelidad para Inglaterra.

                Damián, Luciano, Marcelo y Facundo son amigos de la infancia a los que les une su pasión por la música, esencial en todo el metraje, y mágica la primera escena cuando literalmente les llueven cientos de vinilos, la amistad, siempre por encima de todo, y las mujeres, siempre trayéndoles problemas.

                Damián es director de cine, Luciano locutor de radio, Marcelo líder de una banda tributo a los Beatles y Facundo siempre soñó con ser compositor, pero trabaja en un cementerio privado.

                Premiada en el 16 Festival de Málaga con una mención especial por parte del jurado, Días de vinilo une música con amor a la perfección, mostrando el devenir de los cuatro amigos, sus fobias, sus filias, y porciones de su loca y sobre todo divertida vida.

                Nesci mantiene el pulso de la película intercalando una y otra vez las cuatro historias, que como si de un Gran finale se tratara convergerán en una sola antes de que llegue el final de la película.
                Atención a las breves, pero divertidísimas apariciones de Leonardo Sbaraglia haciendo de él mismo, presentando también sus fobias y sus filias, que aunque puedan parecer ficción, podrían llegar a ser muy reales. Las cerezas del pastel, sin duda.

                Por supuesto todo queda cerrado de forma magistral con un final más mágico que el principio, e incluso con una última imagen que bien podría ser el inicio de una nueva historia o tal vez de una segunda parte.

                El cine argentino nos ha ofrecido películas excelentes (Un Lugar en el mundo de Adolfo Aristarain), taquillazos imprevistos (Nueve reinas de Fabián Bielinsky), pequeñas joyas (Caballos salvajes de Marcelo Pyñeiro), cine de autor a tener en cuenta, Robert Redford las pasaría sin dudarlo en Sundance (El camino de San Diego de Carlos Sorín), emotivas y lacrimógenas (El hijo de la novia de Juan José Campanella) o inquietantes (El hombre de al lado de Mariano Cohn y Gastón Duprat), y esta es una más de las que pasará a engrosar la lista de películas argentinas inolvidables, por uno u otro motivo.

                En este caso es por su facilidad de ver todos los momentos tristes desde su lado divertido.

                SALVA G.



Título: Días de vinilo
Director: Gabriel Nesci
Fecha de estreno: junio de 2014
País: Argentina

'La chica del 14 de Julio' de Antonin Peretjako ya en cines

Hector se cruza con Truquette en el Louvre el 14 de julio y, desde entonces, no piensa más que en ligarla. Lo mejor sería llevarla a ver el mar. Pator piensa lo mismo, sobre todo si les acompaña su amiga Charlotte... Cortejados por el inevitable Bertier, allá van por las pequeñas carreteras de Francia, país donde nadie tiene ya ni un céntimo. Estamos en plena crisis. Hay que lograr que los franceses vuelvan a trabajar. Para ello, el gobierno decide adelantar un mes la vuelta de las vacaciones.

Después de ver esta película tuve el placer de entrevistar a su director y guionista, Antonin Peretjatko, sus respuestas y opiniones las iré entremezclando con esta crítica.

Durante esta película se intenta mostrar de manera cómica la realidad del momento: la crisis, la falta de trabajo, la corrupción, etc. Para ello durante el film se van viendo distintos símbolos, como por ejemplo una moneda de un euro, Antonin Peretjatko, me explicó el porqué de este detalle:
Siempre es gracioso ver una moneda de 0€, pero creo que la broma tiene sentido porque la moneda es algo metálico y por ello ya tiene algo de valor. Quiero llevar al espectador a hacerse preguntas sobre el euro y sobre Europa, un mensaje sobre la situación de la moneda en Europa. Hubo tanta inflación que ya no puedes comprar nada con un euro, y las personas tendrán que enfrentarse a ello y convivir con ello.
Con esa broma quiero decir que Europa no es beneficioso, sobre todo cuando miramos la crisis europea actual, nadie sabe como pararla, y por eso en la película el gobierno ha tenido  una idea, reducir el verano un mes.
Es como si le dices a la población que tu vida será mejor sin vacaciones y la población dice vale, a ver si funciona. Pues las personas están tan desesperadas que están dispuestas a todo para poder salir de la crisis. Como pudimos ver que sucedió en Grecia, ellos hicieron muchas cosas para poder solucionarlo, pero eso no sirvió para nada.

 Pero este tema, la crisis, viene enmarcado por otro tema más importante para el director y guionista:
Quería contar una historia de amor, con la crisis en segundo plano, como el papel que se pone en la pared, con una influencia sobre los personajes pero no siendo eso lo más importante. Quería ver cual era la influencia de la crisis económica sobre esas personas. Quería demostrar que el amor es más fuerte que la crisis. Porque son personas que la sociedad al principio de la película, la sociedad los rechaza, en cambio cuando la sociedad los necesita y los quiere para salvar la situación, no quieren volver, porque cuando estaba bien no los quería, y cuando está mal sí.

Con estas palabras Antonin Peretjatko enmarca un tema importante de la película, pues durante el principio de ella vemos como la protagonista a acabado sus estudios universitarios y, por tanto, se ha graduado, en ese momento acude a buscar trabajo y le ponen mil pegas para no dejarle encontrarlo, ni tan siquiera tiene derecho a apuntarse para poder buscarlo. Así pues, la sociedad no la quiere, no la necesita, no es lo que busca, no es lo que quiere para su país. No obstante, cuando sí la quieren, reducen ese mes de vacaciones y hacen lo que haga falta para que todo aquel que pueda trabaje y saque a flote la sociedad, la economía y, por supuesto, el país. 

Pero, mi pregunta tras saber que el director había querído encauzar la historia desde el punto de vista del amor fue: ¿Entonces, te consideras un romántico?
Sí, pero sobre todo romanesco, es algo que me gusta mucho en las películas, y pienso que la película es más romanesca que romántica. Pero no sé si el romanticismo va muy bien con el burlesco, aunque es cierto que cuando ves una película de Chaplin los dos temas funcionan muy bien juntos, en sus películas, Chaplin siempre acaba con su querida al final de esta, solo en El circo acaba solo, por ello tiene su parte triste, y por ese motivo creo que la parte triste va ligada con lo burlesco. La situación de francia es lo que hace triste la parte burlesca de esta película.
Hay cosas que el burlesco puede subrayar, sin hundir al espectador en su cotidiano que puede ser difícil de vivir, pero siempre apuntará las cosas absurdas del mundo actual, y para mí la película no tendría sentido sin las bromas, si fuera una continuación de bromas no tendría sentido, pero  en cambio son bromas que subrayan la situación absurda de la sociedad.

Durante toda la película, además de la moneda podemos observar otros detalles que recuerdan a símbolos característicos de Francia, por ejemplo, durante toda la película se escenifican situaciones con distintas guillotinas, y como en algunos momentos son artículos de broma pero en otros no lo son, de este modo observamos un símil a la Revolución Francesa de 1789 y la importancia que tuvo en aquel momento este objeto. No obstante son escenas desde el punto de vista de la absurdidad, como de esta manera se muestra la realidad de las cosas.
Por ejemplo, el símbolo de la piedra blanda, una especie de cojín, símbolo de que en Francia aunque tires piedras a la policía en las huelgas no sirve de nada. El poder ha aceptado que haya violencia en las huelgas.

El director con estas palabras se refiere a un momento de la película en la cual aparecen un trozo de pavimento pero al tocarlo la protagonista observas como es blando, como una especie de cojín, de almohada, y lo tira al aire, con la suerte, o el destino de caer sobre la cabeza de un policía que allí estaba, ¿qué sucede en ese momento? nada, y por ello esas palabras tan llenas de una realidad cruel que vive Francia en estos momentos y que el director y guionista quiere remarcar tanto con sus palabras como con su película. 
En los aeropuertos aceptados todas las medidas de seguridad. Es algo preocupante, pues siempre dicen que es para nuestra seguridad así que estamos dispuestos a hacer todo en contra de nuestra propia libertad.
Y esto lo podemos aplicar a cualquier sector, por eso pienso que la vida es absurda, hay  muchos absurdos en la vida. Por ejemplo, los grifos automáticos en el momento que no  haya electricidad ya no podemos beber, o cuando hay un problema sigue abierto y gastamos más dinero ¿No es mejor un pomo? Algo que nos ha servido desde hace muchísimos años. Pero intentan mejorar la sociedad para que las personas no hagan ni el mínimo esfuerzo y no se cansen.

Y para finalizar hay que remarcar que esta película nos recuerda a ese cine de los años 60 donde transcurría toda la historia en un viaje, en un camino, donde todo comienza y acaba en el mismo punto, no obstante en esta es un viaje en busca del amor y la aventura de ir esquivando los obstáculos de sus caminos.

Anamari Granados




Datos de la película
Año: 2013
Duración: 88 min.
País: Francia
Director: Antonin Peretjatko
Guión: Antonin Peretjatko
Música: Thomas De Pourquery, Julien Roig
Reparto: Vimala Pons, Vincent Macaigne, Marie-Lorna Vaconsin, Grégoire Tachnakian,Thomas Schmitt, Philippe Gouin, Pierre Merejkowsky, Claude Sanchez, Thomas Ruat, Thomas Vernant, Albert Delpy, Bruno Podalydès
Productora: Ecce Films
Género: Comedia. Sátira

'El amanecer del planeta de los simios', este verano en todas las salas

Un grupo de simios muy evolucionados, capitaneados por César, se convierte en la raza dominante del planeta Tierra. La única amenaza para su desarrollo la representa un grupo de seres humanos que han sobrevivido a un virus devastador. Tras una tregua de paz, está a punto de estallar una guerra que determinará cuál será la raza dominante. Secuela de la película "El origen del planeta de los simios". Andy Serkis vuelve a interpretar el papel de César.

Durante años ha habido muchas versiones, más que versiones, historias de después de la guerra, de después de que se crease a estos "Súper simios". En la primera entrega de esta nueva saga pudimos ver como nacían, o se creaban, en esta, años más tarde, podemos descubrir como comienza la guerra entre humanos y simios.

Podemos observar durante toda la película como ambos bandos niegan categóricamente y sin parar que ambas razas son distintas, piensan distinto y sienten distinto, no obstante y a lo largo de la película se puede observar como no es ciertos, los simios, capitaneados por César son inteligentes, demuestran que pueden amar y proteger a sus familias, e incluso, el lado más oscuro de la humanidad, la traición, los monos humainoides son capaces de hacerlo también. Y por el otro lado observamos a unos humanos desconfiados y plagados de miedo, y este pavor será el que les empuje a aceptar una guerra y a querer destruir lo que no les gusta o les aterra: El gran poder tanto físico como mental que poco a poco han ido construyendo los simios.

Una película llena de acción y que te dejará con ganas de saber más, de ver más y de seguir sentado en la butaca. Muy recomendable, para todos aquellos que les guste la acción pero con toques de confianza, amor y lealtad.

Ana Mari Granados

Datos de película

Año: 2014

Duración: 130 min.

País: Estados Unidos

Director: Matt Reeves

Guión: Rick Jaffa, Amanda Silver, Mark Bomback

Música: Michael Giacchino

Reparto: Andy Serkis, Jason Clarke, Gary Oldman, Keri Russell, Toby Kebbell, Kodi Smit-McPhee, Enrique Murciano, Kirk Acevedo, Judy Greer

Productora: 20th Century Fox / Chernin Entertainment

Género: Ciencia ficción. Aventuras

Llega a las pantallas veraniegas 'Bajo la misma estrella'

Película basada en la novela de John Green, publicada con el mismo título en 2012. Fue un gran éxito de ventas y en el The New York Times se colocó a esta novela, tildada de mezcla de melancolía, dulzura, filosofía y gracia, como el libro número uno en su lista anual de Top 10 Libros de Ficción 2012.

Tanto en la novela como en la película, la historia es narrada por una adolescente de dieciséis años de edad llamada Hazel Grace Lancaster, que es  interpretada excelentemente por la joven actriz Shailene Woodley. La película empieza con un monólogo: Tenemos la opción de elegir como contar una historia triste. Se puede edulcorar, pero no sería la verdad. Esta es la realidad.

Y Hazel se dirige a la cámara con una mirada que impacta, una mirada de aceptación, de sonrisa apagada y alegría dosificada. Sabe que va a morir, como todos nosotros, aunque le demos la espalda a un hecho evidente. Ella lo sabe y cada día es un reto ganado a la vida.

A los trece años le diagnostican un cáncer de tiroides y sus días se adaptan a las visitas de hospital, a ver programas de televisión junto a su madre y sobre todo a leer un libro, siempre el mismo. Para no entristecer a sus padres acude a un grupo de apoyo para jóvenes afectados por la enfermedad, donde conoce y se enamora de un joven llamado Augustus Waters, ex jugador de baloncesto que tiene amputada una pierna a causa de un osteosarcoma. Augustus, interpretado por Ansel Engort, ha superado el cáncer, se siente pletórico y consigue que Hazel cumpla un sueño: conocer al escritor de la novela que se ha leído centenares de veces.

A pesar de que Hazel avisa de que veremos una historia triste y a pesar de que los protagonistas sean jóvenes con cáncer, no es un drama morboso con finalidades lacrimógenas. Es, entre otros aspectos, una historia de amor que puede se real y que tiene su fin, como todo en la vida. La diferencia es que ellos lo saben.
Sin dejar de ser cruda, es también divertida, con ráfagas de humor que despiertan carcajadas en un público que supone cual será el final, pero que lo acepta, mimetizándose con la mirada de esa joven que en todo momento acepta su vida, tal como es, y consigue vibrar con las sorpresas que le regalan los días.
Es muy difícil, basándose en este argumento, salir airoso y no caer en el melodrama vulgar. Tanto el autor de la novela, como los guionistas de la película han conseguido mantener un justo equilibrio.

Griselda Martín Carpena



MISMA ESTRELLA
Título origina: The Fault in Our Stars
Año: 2014-07-14
Duración: 125 minutos
País: Estados Unidos
Director: Josh Boone
Guión: Scott Neustadter, Michael H. Weber (Novela: John Green)
Reparto: Shailene Woodley, Ansel Elgort, Nat Wolff, Laura Dern, Sam Trammell, Willem Dafoe, Lotte Verbeek, Ana Dela Cruz, Randy Kovitz, Toni Saladna, David Whalen, Milica Govich, Allegra Carpenter, Emily Peachey, Emily Bach, Mike Birbiglia

'Maléfica' con Angelina Jolie, redescubriendo el cuento

Versión del cuento de La Bella durmiente, clásico de Charles Perrault, con una relectura total, potente e inesperada sobre todo en el desenlace. Consigue dar un giro a las historias tradicionales con el resultado de que los malvados puede que no lo sean y los príncipes azules se convierten en una absurda quimera.

La película está narrada bajo la perspectiva de Maléfica, la poderosa hada de alas negras que controla el reino mágico de Las Ciénagas, donde conviven seres elementales, gnomos, elfos y hadas. Más allá de las frontera arbolada y animada se encuentra el castillo, centro del reino de los humanos.

Stefan, un niño campesino, cruza la barrera de los mundos y roba una gema del río. Maléfica lo obliga a dejarla en su lugar, donde debe estar para conservar el equilibrio de la naturaleza. Pasan los años y la amistad se convierte en amor, pero los separa la ambición del joven que aspira a ser rey.

Los humanos quieren conquistar las Ciénagas, pero Maléfica y los seres del reino mágico los derrotan. Quien la mate será el nuevo rey. Stefan lo intenta, pero no puede, en su lugar le arranca sus alas. Se despierta sola, sangrando y humillada. Desilusionada con el mundo de los humanos deja de ser la encantadora hada que sobrevolaba el reino fantástico y se convierte en la hechicera vengativa del cuento clásico. Construye un reino oscuro, como su alma traicionada, y separa ambos mundos por bosques espinosos.

Angelina Jolie declaró en la BBC de Londres que esta secuencia evoca de forma intencionada la violencia sexual. La guionista y ella fuerron conscientes de que la escena era la metáfora de una violación. La metamorfosis del hada se debe al abuso y de cómo las víctimas de esos abusos tienen que decidir si abusan de otros o superarse y seguir amando al prójimo.

Maléfica opta al principio por la venganza y maldice a Aurora, hija de Stefan, a dormir eternamente. Solo un beso de amor verdadero la despertará del sueño. Por supuesto, el hada no cree en ese antídoto.

Aurora se cría en el bosque, alejada de los peligros y al cuidado de tres hadas despreocupadas. Maléfica, desde la distancia, vigila a la que llama “animalillo”. Sin darse cuenta le va tomando cariño y la protege, pero el hechizo es potente y ni siquiera ella puede evitar que se cumpla su maldición.

Aurora, al igual que en el cuento clásico, superará el hechizo, y en esta versión se convierte en la princesa de ambos reinos. La despierta el beso de un amor verdadero, pero aquí radica otra de las diferencias: no será por el beso del príncipe Felipe.

Robert Stromberg debuta como director en esta película fantástica tras un largo currículum. En sus  trabajos destacan los paisajes de Avatar, Oz, La vida de Pi, Los juegos del hambre o Alicia en el país de las maravillas. En Maléfica crea planos aéreos, criaturas digitales fabulosas, y lo más impactante es la transformación de Jolie, que con pómulos elevados y prominentes, mirada serena y perversa, a la par que tierna, se adueña de la pantalla. Ella es sin lugar a dudas la gran protagonista. Aurora, por el contrario, interpretada por Elle Fanning, es una princesa bastante alelada y manipulable que pasa a un secungo plano.

Ya que el papel de la malvada se ha reinterpretado, pienso, tal vez merezca la pena otra versión que gire de nuevo la historia y en la que una mujer, princesa o campesina, sea capaz de despertarse ella sola.

GRISELDA MARTÍN CARPENA



Estreno: 30 de mayo de 2014 
Director: Robert Stromberg
Guión: Linda Woolverton, Paul Dini, John Lee Hancock
Reparto: Angelina Jolie, Elle Fanning, Juno Temple, Sharito Copley
Música: James Newton Howard
Fotografía: Dean Semler
Género: Fantasía
País: EEUU
Distribuidora: Walt Disney Studios
Duración: 97 minutos

'Roman Polanski. Una retrospectiva' - James Greenberg

Coincidiendo con el estreno de la nueva película del director, y de su ochentavo cumpleaños, la editorial Blume, edita un (otro) libro sobre la carrera y la persona de Roman Polanski, director de entre otras, películas tan alabadas por la crítica como “Chinatown” (1974), “La muerte y la doncella” (1994), “El pianista” (2001) o “La semilla del diablo” (1968).

                Y decimos otro, por el mero hecho de que ya existen casi una cincuentena de libros sobre el polaco, y una docena de ellos traducidos s nuestro idioma.
                Pero ¿qué tiene de nuevo este que los diferencia de los anteriores?: el prólogo lo escribe, por primera vez, el propio Roman Polanski.

                El autor de esta monumental obra convivió con el director y mantuvieron conversaciones para que el primero de ellos pudiera elaborar el libro. Incluso estuvo en los sets de rodaje de Polanski y pudo ver de primera mano cómo trabaja el director.

                Greenberg pudo constatar que la película favorita de Polanski no es “El pianista”, elección obvia conociendo la historia vital del cineasta (su madre murió en Auschwitz, su padre sobrevivió a Mauthausen-Gusen), ni siquiera sus éxitos en la meca del cine: “La semilla del diablo” y “Chinatown”, sino “Cul-de-sac” (1966), que consiguió financiar tras “Repulsión” (1965), película esta que simplemente realizó con ese fin, aunque su mejor película sigue opinando que es “Tess”  (1979) ya que refleja a la perfección su espíritu romántico y abnegado.

                La documentación gráfica del libro es excelente, incluyendo algunas fotografías inéditas, como las del rodaje de “La semilla del diablo”, reproducciones de posters de sus películas, muchas fotos de rodajes, fotos privadas del director: de su infancia en Polonia antes de la ocupación nazi, de tempranas representaciones teatrales del mismo, de su involucración en las películas o simple y llanamente fotos simpáticas del director en el rodaje distendiendo  el ambiente con su buen humor.

                La cronología del libro hace que su digestión sea más sencilla, y no hay de qué asustarse al verlo, tanto su formato, 25 x 29, como su texto, detallados comentarios sobre 19 de sus 20 películas realizadas, desde “El cuchillo en el agua” (1962) con la que recibió su primara nominación al Oscar, hasta “Un Dios salvaje” (2011), la particular versión de la novela de Yasmina Reza llevada al celuloide de forma magistral por Polanski están realizados con una exquisitez digna del personaje.

                Fuera queda su último estreno “La Venus de las pieles” (2013), y por descontado “D”, su próxima y enigmática película que dice estar rodando.

                No es este un libro para los que disfrutan con la prensa rosa, ni con la amarilla, ni siquiera con la negra, no hay nada del oscuro pasado del cineasta, ni de sus amoríos, ni de sus posibles líos con la justicia, este es un libro para los amantes del Cine, así, en mayúsculas, en general, y del director en particular, que se degustará poco a poco, y no se nos attragantará.

                SALVA G.

Título: Roman Polanski. Una retrospectiva
Autor: James Greenberg
Editorial: Blume
Edición: 1ª edición, agosto de 2013
Traducción: Rosa Cano Camarasa
Número de páginas: 288 pp.
I.S.B.N. 978-84-9801-706-9
               

'Philomena' de Stephen Frears

Philomena es una adaptación cinematográfica del libro de Martin Sixsmith basado en la historia real de Philomena Lee, una mujer irlandesa que vivía en un internado religioso para chicas y que se quedó embarazada cuando era una adolescente. Philomena se vio obligada a dar a su hijo en adopción en contra de su voluntad. Durante cincuenta años y en solitario intentó  localizar al pequeño que fue adoptado fuera del país. La búsqueda obtendrá resultados cuando un periodista, Martin Sixsmith, se comprometa a ayudarla y a escribir su historia.

Stephen Frears dirige con solvencia una historia que, aunque carece de final feliz, presenta todos los ingredientes necesarios para gustar a una amplia franja de público. Por otra parte Philomena ha sido es interpretada por una Judi Dench que roza la excelencia y por un Steve Coogan que proporciona una réplica inmejorable y que se mueve en todo momento entre la complicidad y el estoicismo. Conocedor de la maestría de Judi Dench, Frears abusa en ocasiones de los primeros planos sostenidos de la veterana actriz que asume con verdadera eficacia todos y cada uno de los registros. Magníficas las escenas en el aeropuerto en las que Dench abandona el drama durante unos instantes para ofrecer unos instantes de conseguida comicidad.

Muy recomendable la versión original, magníficas las voces de los dos protagonistas.

Empar Fernández



Título original: Philomena
Año: 2013
Duración: 98 min.
País: Reino Unido
Director: Stephen Frears
Guión: Steve Coogan, Jeff Pope (basado en el libro de Martin Sixsmith)
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Robbie Ryan
Reparto: Judi Dench, Steve Coogan, Charlie Murphy, Simone Lahbib, Anna Maxwell Martin,Neve Gachev, Sophie Kennedy Clark, Charlotte Rickard, Nichola Fynn
Género: Drama | Comedia dramática. Basada en hechos reales.